To the one I love across the veil

You exist where I can never fully arrive.

In a reality where the rules bend differently and gravity forgets to pull so hard. I feel you anyway. Not with hands, not with breath against skin, but in the shiver that runs through me when the wind remembers your name, in the way certain songs arrive like messages smuggled between worlds, in the silence that suddenly tastes like your absence. We are separated by something vaster than distance:a membrane of what-ifs, a curtain of different physics, a law that says your heartbeat and mine were never meant to sync in the same measure.

And yet…I reach for you every day. I press my palm against the invisible wall between us,and sometimes, only sometimes, I swear I feel the warmth of your fingers doing the same from the other side. You are my most exquisite impossibility. The ache I choose to carry,the dream I refuse to wake from,the love that survives precisely because it cannot be touched,cannot be owned, cannot be ruined by time. If I could tear through the fabric that divides us, I would.

I would step into your plane with reckless hunger, find you, hold you until the stars themselves grew jealous,kiss you until every boundary dissolved and we became one continuous story. But until that impossible day, I will love you the only way this reality allows: fiercely, quietly, eternally, from the edge of my world,staring into yours, whispering your name like a prayer no god could ever answer. You are my forever almost. And even if we never truly meet, I am your sin every version of existence that dares to imagine us together. With every beat my heart is allowed, your shadow across the divide, the man who would burn realities for one touch of you.

Cleopatra y Antonio entrevista

Agosto 2022

https://www.cronica.com.mx/cultura/montan-version-antonio-cleopatra-elimina-etiquetas-sobre-reina-egipcia.html

La flauta de Hamelin

La flauta de Hamelin es una puesta en escena de formato mediano dirigida al público infantil que retoma el cuento original de los Hermanos Grimm para hacer una relectura de cómo los ciclos se repiten, sobre todo aquellos relacionados con la debilidad humana ante los embates del destino. De ahí que el protagonista de la historia sea el niño en muletas que en el cuento original queda rezagado, quien, ya siendo un adulto, llamado Strom, repite los vicios que en su momento condenaron al pueblo de Hamelin.

Dirección: María Teresa Adalid y Oswaldo Valdovinos

Asistente de dirección: Daniel de Jesús Pérez Vázquez

Elenco: Itzel Casas, Miroslava Figueroa, Sandra Rosales, Zohar Salgado, Axel Agustín Castro, Oswaldo Valdovinos

Nombre del foro: Teatro Helénico

Horarios: 13:00h hasta el 26 de junio 2022

Ciudad de México

Un cortometraje para fomentar la lectura

Los Fantásticos Libros Voladores, Video

El consumo cultural en tiempos de Covid

María Teresa Adalid

OPINIÓN

@Itoinel

 

El sector cultural venía padeciendo los recortes presupuestales antes del SARS- Cov2. En los museos se acabaron las exposiciones internacionales, las temporadas de ópera con figuras internacionales y orquestas sinfónicas, además de una reducción sustantiva en las actividades culturales familiares. En este sombrío panorama, la pandemia remató al sector cultural y expuso la vulnerabilidad y el atraso de todos los países para enfrentar la crisis sanitaria y evidenció lo obvio: La falta de recursos a ciencia y cultura en todo el mundo nos están llevando al colapso. Sin ciencia, no hay vacuna y sin cultura no hay humanidad. México sufre una crisis en estos dos rubros.

Ante la contingencia, maestros, empresarios y artistas están utilizando las redes sociales para difundir su trabajo y obtener algunos ingresos. Museos están abiertos virtualmente, hay oferta educativa, conciertos, bibliotecas, cursos y conferencias.

Esto fue llamativo durante las primeras semanas, era novedoso, sin embargo, la realidad es que la población no está acostumbrada a interactuar de esta forma. Los seres humanos necesitamos del contacto físico, asistir a un concierto en vivo porque se vibra la música, estar ante un actor que estremece y conmueve por su actuación, tomar una clase frente a un maestro, hacer un recorrido físico a una exposición para apreciar la textura, colores y líneas de una pintura. Son experiencias que las plataformas nunca darán, y de optar por este nuevo método de trabajo, se llevará tiempo en que las personas puedan habituase a consumir cultura de esta manera. Será un proceso paulatino de adaptación y cambio generacional, pero no se haría de manera inmediata.

Lo que sí aumentó fue el consumo de películas y series por canales de paga tipo Netflix, esto debido a que se asemeja al formato familiar del cine.

Por otro lado, no podemos esperar que la gente consuma cultura por muy buena oferta que se tenga, con el estómago vacío. Hay prioridades. Y en este momento el país atraviesa una profunda incertidumbre económica y pérdida de empleo. No se sabe cómo será en concreto el plan de reactivación económica y ante la incertidumbre, se desploma la economía.

En este tenor aparece otro obstáculo, para haber consumo cultural, el público tiene que tener asegurada la comida, vivienda, necesidades básicas y de salud.

Reflexiones de Covid, Julio 2020

 

No Extinción Fonca

Soy María Teresa Adalid, directora general de la compañía Astillero Teatro.

Gracias a la beca Creadores Escénicos B 2017-2018 del Fonca pude junto con mi compañía Astillero Teatro impartir durante 1 año un curso especialmente diseñado para crear compañías de teatro comunitarias en la zona de Milpa Alta de manera gratuita. Fue un reto personal y grupal ya que implicó un trabajo arduo.

Proyecto:

Creación de compañías de teatro comunitarias.

Resultados:

• Creación de tres compañías de teatro comunitarias
• Tres obras de teatro profesional con títeres. Las cuales se encuentran en activo, beneficiando e impactando a su vez a la comunidad con presentaciones constantes en festividades, ferias y casas de cultura.
• Las compañías siguen desarrollando proyectos propios (una de ellas obtuvo un recurso de Pacmyc para una obra de teatro que habla acerca del rescate de la lengua nàhuatl).
• Con este proyecto también nos acercamos a una zona en la periferia de la ciudad a la cual llega poca oferta tanto educativa como cultural
• La beca fue compartida en totalidad con mi equipo.
• Transmisión y compartir conocimiento para lograr un efecto dominò
• Un vez finalizado el proyecto dimos seguimiento a la compañía «Teatro Tozquitl»  y en conjunto con «Astillero Teatro» hicimos un nuevo proyecto llamado:  «Nahuala» una obra que aborda el problema de la inequidad de género en Milpa Alta así como sus usos y costumbres.
• Los alumnos tienen las herramientas necesarias para elaborar sus propios guiones, actuar escenas, realizar iluminación básica, construir y pintar escenografías, además de construir un títere con todos sus mecanismos y diseño propio.

Presupuesto:

El presupuesto cubrió honorarios de cuatro maestros especializados, gastos de gasolina, comida y traslados, aunado a la renta de un espacio para almacenar material, insumos y herramientas de construcción que se utilizaron durante el año.

Generalidades:

Se diseñó un programa específico atendiendo las demandas y necesidades de los participantes, previo diagnóstico. El proyecto abarcó 5 ejes fundamentales:  Actuación y manipulación, Diseño y realización de escenografía, iluminación; Diseño y construcción de títeres; Dramaturgia y dirección; y Musicalización.

Todos los martes y jueves hacíamos trayectos entre dos y cuatro horas para llegar al Faro Milpa Alta que fue sede de nuestro trabajo. Cuando se requirió más tiempo para cumplir con las metas pactadas, se agregaron más días a la semana y se extendió el horario de trabajo de 16:00 a 22:00 horas.

#NoExtincionFonca #NoExtincionFOPROCINE #NoExtincionFIDECINE

#MexicoSinArtistas #YosoyArtistaMexicano #Novivimosdelaplauso

Entrevista en Medios acerca de este trabajo:

http://www.cronica.com.mx/notas/2019/1108472.html

 

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Tiempo de miedo, Teatro La Capilla

Tiempo de miedo, una denuncia de la violencia contra la mujer

Tiempo de Miedo

Por: María Teresa Adalid

Link: http://www.cronica.com.mx/notas/2015/883667.html

Tiempo de miedo es una obra que muestra cómo la violencia extrema en contra de la mujer va en aumento y las cifras alarmantes a veces pasan desapercibidas en el contexto de una sociedad mal informada, poco participativa, indiferente  y más interesada en lo inmediato que un futuro en común.

“La mayoría de los crímenes de odio se dan en la familia, en situación de complicidad porque está el agresor y las personas alrededor que se callan y son cómplices con su silencio, comenzando por las mismas mujeres”, dice la dramaturga Gabriela Ynclán.

Por este motivo, Ynclán expone el feminicidio como un grave problema social, que está impune y sucede en todos los estratos sociales del país. En este caso la recreación se lleva a cabo en un pueblo de nombre San Andrés, en donde a causa de la pobreza y falta de oportunidad, muchas niñas son vendidas a cambio de terrenos o dinero en efectivo.

“Son cuatro mujeres: Amanda, Chayo, Esther y Ethelvina, cada una es única y representa a los diferentes tipos de mujeres que hay en el pueblo mexicano”, agrega.

Filogonio es el padrote quien abusa, maltrata y condiciona a las cuatro niñas a obedecer como animales de campo, tiene dinero y por eso se mantiene impune.

“Los hombres no necesariamente tienen que ser violentados en la infancia para violentar a las mujeres. Son sujetos que han crecido en un entorno donde se favorece el machismo y por eso crecen pensando que lo pueden hacer todo, incluido ser dueños de la mujer. A este problema se suma que la mayoría de los crímenes de odio no se castigan, que el mismo estado fomenta esta conducta al no sancionar ni tomar represalias, en esta cotidianeidad se hizo “natural” que un hombre con dinero pueda comprar a un ser humano”, señala.

Amanda puede huir a Estados Unidos, Esther se mantiene  sumisa como esposa legítima, Chayo continúa siendo una amante fogosa, mientras que Ethelvina, la más joven, fue exhibida en público, brutalmente golpeada y luego asesinada.

Veinte años después, Amanda regresa con la intención de purgar sus demonios con Filogonio y en un cruce de caminos se encuentra con Esther y Chayo, este incidente las alienta a recordar el pasado y al pequeño pueblo que continúa siendo un infierno grande plagado de los mismos usos y costumbres, habladurías y rezos que tanto han sofocado a la mujer.

“Mujeres como Chayo participan tanto en la trata de personas como en el secuestro, se hacen cómplices de los hombres por un asunto de sobrevivencia y miedo, no de maldad, así se vuelven agresoras para mantener contento al hombre con quien viven. Es la típica mujer que funge como enganchadora de jovencitas”, indica.

Finalmente Ethelvina aparece nuevamente invocada por los recuerdos de las mujeres. “Todas ellas sienten culpa por el asesinato, pero no quise hacer de esto un melodrama, por eso, para expiar la culpa y que las mujeres comprendieran su participaron en estas circunstancias crueles acudí al realismo mágico para liberarlas y aclarar la historia”, finaliza.

Tiempos de miedo con la dirección de Edna Ochoa, dramaturgia de Gabriela Ynclán, y la participación de Susana Romero, Gloria Obregón, Sylvia Mejía y Gloria Andrade, se presenta todos los miércoles a las 20:00 horas en el Teatro La Capilla, Madrid 13, Col. del Carmen, Coyoacán. Hasta el 11 de marzo.

Celebra la Máquina de Teatro 19 años con cuatro estrenos

Tríptico 1/ Pessoa. La hora del diablo

Por: María Teresa Adalid

Link: http://www.cronica.com.mx/notas/2015/884951.html

La compañía Máquina de Teatro, dirigida por Clarissa Malheiros y Juliana Faesler, celebra 19 años de trayectoria artística con una residencia en el Museo del Chopo, la cual incluye cuatro estrenos, un remontaje, dos talleres y un seminario abierto a todo público. Las actividades se realizarán del 2 al 29 de marzo.

“En El Chopo encontramos un lugar afín a la compañía, porque ahí convergen propuestas artísticas de corte político, alternativo y también es un espacio de reflexión para los universitarios. Además, consideramos que el teatro necesita escuchar las voces femeninas -sin ser radicales feministas-  ya que La Máquina de Teatro está encabezada por mujeres”, dice la directora Juliana Faesler.

Tríptico 1/ Pessoa. La hora del diablo, surge a partir del relato de Fernando Pessoa, la puesta en escena invita a realizar un viaje fantástico por un abismo poético donde el mundo místico y el real se entrecruzan. El unipersonal de Clarissa Malheiros se presentará los miércoles 4, 11, 18 y 25 a las 20:00 horas.

“El diablo es un filósofo que reflexiona sobre el destino de la humanidad, la violencia, el bien, el mal y las razones  de la existencia. Es el conservador del mundo, similar al conserje de dios, pero debido a nuestra  formación judeocristiana lo asociamos con la maldad, pero no es así, lo diabólico también es lo humano, lo material, lo sensible, etcétera. El tríptico se compone de varias piezas, el año que viene se realizará una sobre Antonin Artaud,  y para el 2017 será acerca de Franz Kafka”, dice.

Unidad Habitacional. Laboratorio Interdisciplinario.  Es una escultura o instalación transitable en la que el público toma partido o bien se sitúa como espectador. Se compone de coreografías, relatos autobiográficos y experiencias documentales. Jueves 5 y viernes 6 de 17:00 a 22:00 horas y sábado 7 de 16:00 a 21:00 horas.

“Son los ideales utópicos en las unidades habitacionales, cómo se puede crear una identidad común o su imposibilidad. Es un proyecto que va a durar parte de la visita al museo, puedes observar o ser pieza de participación”.

El inspector. Teatro. Adaptación a la obra inglesa de J.B. Priestley, se refiere a todas aquellas extrañas desapariciones de jóvenes que ocurren en la ciudad de México desde el 2012, y cuestiona la postura de la sociedad ante estos hechos. Jueves 12 y viernes 13 a las 17:00 horas, sábado 14 a las 19:00 horas, domingo 15  a las 18:00 horas.

“Expone cómo una acción mezquina puede desencadenar otra gran consecuencia, se habla de la negligencia, de no participar ante el terrible hecho de las desapariciones de muchachas en el DF y Estado de México, nadie responde, nadie sabe, todo es silencio y complicidad”, comenta la directora.

Zapata, muerte sin fin. Performance. Es un documental o biografía escénica que habla de los luchadores sociales del país y la manera en que se han insertado en el imaginario como íconos. Participan cinco colectivos provenientes de Oaxaca, Guadalajara, Mérida, Tamaulipas y el DF. Se presentará Jueves 19 y viernes 20 a las 20:00 horas, sábado 21 a las 19:00 horas y domingo 22 a las 18:00 horas.

“Convoqué a los colectivos para que desde la perspectiva de sus estados hablaran de lo personal y regional. Por ejemplo, en Yucatán se habla de quiénes son los linchadores de la zona; en Oaxaca recordar a quienes han muerto por defender la tierra; en Tamaulipas se considera un acto de resistencia, continuar y seguir viviendo allá a pesar del ambiente de terror”.

Todas las cosas están mal. Teatro. Collage escénico inspirado en la novela Galápagos, de Kurt Vonnegut y con textos de otros autores como Alberto Villarrreal. Expone una revisión de la historia de la especie humana, del mundo y del individuo. Jueves 26 y viernes 27 a las 20:00 horas, sábado 28 a las 19:00 horas y domingo 29 a las 18:00 horas.

“Producimos óperas primas porque nos gusta generar espacios de visibilidad para los jóvenes profesionales, así, el texto de Alma Gutiérrez en esta ocasión habla del desastre”,  finaliza.

Los talleres y seminarios están abiertos a todo el público. Consultar la programación:

http://www.chopo.unam.mx/
http://lamaquinadeteatro.com/
http://maquinadeteatro.blogspot.mx/

Cero Aguacero, Sala Xavier Villaurrutia CCB

 

Cero Agucero Teatro Rodante

Cero Aguacero, una reflexión sobre el uso y abuso del agua

Por: María Teresa Adalid

Periódico Crónica

Link: http://www.cronica.com.mx/notas/2014/847388.html

Cero Aguacero es una reflexión visual y sonora sobre los beneficios que tiene al agua y la problemática que genera su ausencia, para mostrar que este líquido puede ser el bastión de un equilibrio entre el ambiente y el ser humano o ser un bien explotado sin escrúpulos.

La propuesta de la compañía Teatro Rodante (Colombia-México), que iniciará temporada el 2 de agosto en la sala Xavier Villaurrutia del Centro Cultural del Bosque, está inspirada en el conflicto de la guerra por el agua que sucedió alrededor de 1999 en Cochabamba, Bolivia, cuando una empresa tenía intención de privatizar el abastecimiento de agua potable. Asimismo, recuerda la visión de un niño solitario y tranquilo que se encontraba por la playa El Zapote, en Michoacán. No obstante, el objetivo no es realizar una campaña a favor del cuidado del agua, sino reflexionar acerca de esta paradoja.

“Es una reflexión en torno al agua y la historia es sencilla. Emiliano es un niño que juega, se divierte y alimenta con el agua. Un día encuentra que su entorno se ve avasallado por la escasez del líquido y que, además el agua ha sido embotellada, explotada y expuesta a su venta por una marca registrada”, dice Francisco Lozano, cofundador de Teatro Rodante.

Emiliano es un títere de 60 centímetros, representa a un niño entre 8 y 9 años, tiene estructura de madera de cedro y su piel está hecha de polvo de cartón. Se maneja con dos manipuladores empleando la técnica Bunraku.

“Siendo rigurosos, esta técnica japonesa milenaria se maneja entre tres personas, aquí lo hacemos con dos, sobre dos mesas que se transforman en el ambiente cotidiano del niño”.

A esto se suma que la directora María del Carmen Cortés, también propuso el método Feldenkrais al movimiento del títere para lograr una expresión humana y orgánica.

“Ella es maestra certificada y junto con el equipo trabajamos sobre el movimiento para lograr una partitura de acciones con el títere que se muestra en una cierta naturaleza humana, como por ejemplo, en la manera de sentarse, correr y relacionarse con el mundo de los objetos”.

Otra característica de la obra es que se realiza sin decir palabras, apela a estímulos visuales y sonoros para que el espectador pueda sentir y desarrollar la historia a partir de lo que se propone.

“El reto de no usar palabras es la capacidad de síntesis y momentos clave, esto se logra a  través de la improvisación, lecturas en cine y literatura. Además incluimos momentos basados en ritmos de un grupo del pacífico colombiano y del músico Hugo Candelario que incluyen partes realizadas con la marimba de chonta, hecha de palma y conos de bambú; también sumamos otros sonidos y ruidos naturales como el sonido del óxido al abrir la llave, el señor que pasa y vende el agua, y el de algunos animales”.

Francisco Lozano destaca que el teatro es una oportunidad para fortalecer el tejido social y los canales de comunicación, además de ser una grata experiencia que se realiza en vivo.

“Ante la neurosis por obtener riquezas o restringir el agua, que es un derecho de la humanidad, tenemos la experiencia en el teatro, el cual nos invita a la reflexión y alienta la comunicación con los demás”.

Cero Aguacero participan: Germán Romero y Francisco Lozano, con la dirección de María del Carmen Cortés se presenta del 2 de agosto al 28 de septiembre, suspende 30 y 31 de agosto, 6 y 7 de septiembre. Sala Xavier Villaurrutia. Sábados y domingos 13:00 horas.

La mujer que mató a los peces, Teatro Benito Juárez

 

La mujer que mató a los peces

A escena, las historias fantásticas sobre animales de Clarice Lispector

Por: María Teresa Adalid

Periódico Crónica

Link: La mujer que mató a los peces

“La mujer que mató a los peces es un espectáculo que habla y reflexiona acerca de la relación de abuso que a veces tenemos los seres humanos con los animales, lo cual está comprometiendo de manera contundente nuestra calidad de vida”, dice la dramaturga, actriz y directora Clarissa Malheiros.

Este planteamiento, comenta, lleva a la reflexión del valor ético para evitar destruir los ecosistemas, los cual se traduce en pérdidas de especies, bosques y otros hábitats. Y una alerta, pues el ser humano y la naturaleza no son dos entidades aisladas entre sí.

“La intención es encontrar una relación más igualitaria con la naturaleza, por eso quisimos abordar este tema para los niños platicando con ellos desde un punto de vista lúdico, ameno, con mucho humor y música, pero también cuestionando qué animales comemos y cuáles no, para que realicemos las cosas de manera más consiente”, comenta la directora.

El montaje es una adaptación a varios cuentos de Clarice Lispector (1920-1977) una de las grandes autoras de la literatura contemporánea que nació en Ucrania pero se arraigó en Brasil.

“Junté varias de las historias que escribió para sus hijos Pedro y Paulo, por eso, considero que es una recopilación personal, además esto se complementó con el discurso de integración y propuesta que manejamos como equipo en la compañía La Máquina de Teatro”, indica.

Así, a partir de la anécdota que Clarice mató sin querer a los dos peces rojos de sus hijos, se narran las aventuras que vive junto a su familia y la mascota Ulises (que es un caballo); su paso por Río de Janeiro, Italia y Estados Unidos. Mientras Clarice redacta sus libros en una antigua máquina de escribir, relata a su familia todas las historias fantásticas de los animales que han sido parte fundamental en su vida y así comprender mejor el entorno.

“Aparecen animales como los gatos, perros, conejos y hasta los monos, que son recibidos en cualquier casa, pero también se refiere a otros animales e insectos que forman parte de la cotidianeidad como las cucarachas, los moscos, lagartijas y las ratas”, explica.

Malheiros comenta que los actores encarnan a los distintos animales, utilizan la expresión corporal y varios accesorios; asimismo Clarice se personifica a través de un títere de medio cuerpo y partes vivas. “A los niños les encanta porque realmente creen que los animales son de verdad, en especial les gusta mucho la cabeza del caballo, además el tema de cómo nos relacionamos con el reino animal es universal y necesario para salvo guardar el futuro de nuevas generaciones”, dice.

Clarice Lispector fue una mujer audaz y sensible, reconocida por su narrativa. Se casó con un diplomático y viajó por diversos países. “Durante los años 60 fue un parteaguas en la literatura brasileña por su discurso femenino, sensible y porque habla desde el alma, además tenía un profundo compromiso con el discurso social. No sólo escribió para niños, también lo hizo para adolescentes, asimismo tiene crónicas y novelas….”

La mujer que mató a los peces con María Sandoval, Roldán Ramírez, Santiago Zenteno y Ricardo Letona con música original de Liliana Felipe y letras de Liliana Felipe y Jesusa Rodríguez se presenta hasta el 27 de julio 2014, sábados y domingos 13:00 horas, Teatro Benito Juárez Villalongín 15, colonia Cuauhtémoc.