Tiempo de miedo, Teatro La Capilla

Tiempo de miedo, una denuncia de la violencia contra la mujer

Tiempo de Miedo

Tiempo de Miedo

Por: María Teresa Adalid

Link: http://www.cronica.com.mx/notas/2015/883667.html

Tiempo de miedo es una obra que muestra cómo la violencia extrema en contra de la mujer va en aumento y las cifras alarmantes a veces pasan desapercibidas en el contexto de una sociedad mal informada, poco participativa, indiferente  y más interesada en lo inmediato que un futuro en común.

“La mayoría de los crímenes de odio se dan en la familia, en situación de complicidad porque está el agresor y las personas alrededor que se callan y son cómplices con su silencio, comenzando por las mismas mujeres”, dice la dramaturga Gabriela Ynclán.

Por este motivo, Ynclán expone el feminicidio como un grave problema social, que está impune y sucede en todos los estratos sociales del país. En este caso la recreación se lleva a cabo en un pueblo de nombre San Andrés, en donde a causa de la pobreza y falta de oportunidad, muchas niñas son vendidas a cambio de terrenos o dinero en efectivo.

“Son cuatro mujeres: Amanda, Chayo, Esther y Ethelvina, cada una es única y representa a los diferentes tipos de mujeres que hay en el pueblo mexicano”, agrega.

Filogonio es el padrote quien abusa, maltrata y condiciona a las cuatro niñas a obedecer como animales de campo, tiene dinero y por eso se mantiene impune.

“Los hombres no necesariamente tienen que ser violentados en la infancia para violentar a las mujeres. Son sujetos que han crecido en un entorno donde se favorece el machismo y por eso crecen pensando que lo pueden hacer todo, incluido ser dueños de la mujer. A este problema se suma que la mayoría de los crímenes de odio no se castigan, que el mismo estado fomenta esta conducta al no sancionar ni tomar represalias, en esta cotidianeidad se hizo “natural” que un hombre con dinero pueda comprar a un ser humano”, señala.

Amanda puede huir a Estados Unidos, Esther se mantiene  sumisa como esposa legítima, Chayo continúa siendo una amante fogosa, mientras que Ethelvina, la más joven, fue exhibida en público, brutalmente golpeada y luego asesinada.

Veinte años después, Amanda regresa con la intención de purgar sus demonios con Filogonio y en un cruce de caminos se encuentra con Esther y Chayo, este incidente las alienta a recordar el pasado y al pequeño pueblo que continúa siendo un infierno grande plagado de los mismos usos y costumbres, habladurías y rezos que tanto han sofocado a la mujer.

“Mujeres como Chayo participan tanto en la trata de personas como en el secuestro, se hacen cómplices de los hombres por un asunto de sobrevivencia y miedo, no de maldad, así se vuelven agresoras para mantener contento al hombre con quien viven. Es la típica mujer que funge como enganchadora de jovencitas”, indica.

Finalmente Ethelvina aparece nuevamente invocada por los recuerdos de las mujeres. “Todas ellas sienten culpa por el asesinato, pero no quise hacer de esto un melodrama, por eso, para expiar la culpa y que las mujeres comprendieran su participaron en estas circunstancias crueles acudí al realismo mágico para liberarlas y aclarar la historia”, finaliza.

Tiempos de miedo con la dirección de Edna Ochoa, dramaturgia de Gabriela Ynclán, y la participación de Susana Romero, Gloria Obregón, Sylvia Mejía y Gloria Andrade, se presenta todos los miércoles a las 20:00 horas en el Teatro La Capilla, Madrid 13, Col. del Carmen, Coyoacán. Hasta el 11 de marzo.

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Resignación, Foro El BIcho

Narran los últimos momentos del hombre durante el fin del mundo

Resignación

Resignación

Por. María Teresa Adalid

Link: http://www.cronica.com.mx/notas/2015/886191.html

Resignación, de la compañía Sin sonrisa Teatro, es una obra que pretende hacer una reflexión acerca de la identidad y la finalidad de la existencia humana cuando está transitando por el fin del mundo.

Alexander es un sujeto que se encuentra deambulando en la cornisa de un edificio alto y está a punto de caer cuando Solange le tiende una mano y lo invita a su departamento. El extraño sujeto, vestido como presidiario y marcado por una serie de números, coincide con Lucy y Maurice, quienes alguna vez fueron pareja sentimental.

Mientras en la ciudad suceden situaciones desastrosas, saqueos a tiendas, el caos colectivo que provoca el instinto de supervivencia, hay quienes esperan hallar a sus familiares y seres amados para pasar las últimas horas con ellos y, otros más, se refugian en algún templo religioso.

En contraste,  dentro del pequeño apartamento de Solange no trascienden sentimientos exacerbados y descargas de adrenalina ante la catástrofe, porque ésta ha sido previamente anunciada y asimilada: “Al cesar la lluvia el mundo acabará”.

En tono melancólico cuatro adultos se acompañan con unas cervezas y comparten sus historias personales de dolor, decepción, anhelos y frustración, mientras cada uno coincide en que comprender su lugar en el mundo es parte fundamental para entender la vida.

La lluvia continúa resbalando en el exterior de unos altos plafones que circunscriben la tragedia. En esa edificación se expresa la realidad del mundo contemporáneo, vertiginoso, con acceso a la tecnología, al desarrollo, al confort y la elegancia, pero también el ser humano que lo habita, incapaz de comprometerse con la humanidad, entablar relaciones profundas, significativas y duraderas pues goza aquellas basadas en la frivolidad.

Y así como morir representa el miedo, Maurice dominado por la duda fue incapaz de decirle a Lucy que la amaba, Solange quedó como un alma huérfana tras perder a su familia en un accidente y Alexander es el hombre misterioso que provocó una tragedia.

Al irse reduciendo en gotas de lluvia, palabras como amor, perdón, reconciliación están en la mente de las cuatro voces confundidas y resignadas a su fin. Los que se preguntaron cómo se sentiría “andar en el aire” son los que no se atrevieron a ser libres para disfrutar  la vida.

Ahora, descubren un nuevo sentir al tener la muerte de cerca: surge la paz, la comprensión y el entendimiento de que nada es para siempre, incluso la felicidad.

El último brindis de la reconciliación entre los personajes es por dejar de pagar las deudas al banco, por aquellos que se adelantaron en el camino y ya no están entre nosotros, por la última cerveza fría y por toda la humanidad.

Resignación de Daniel de la O, dirección José Juan Meraz, con Guadalupe Damián, Marissa Saavedra, Constantino Morán y Jorge de los Reyes se presenta hasta el 15 de marzo. Funciones viernes 20:30 horas, sábados 19:00 horas y domingos 18:30 horas. Foro el Bicho, Colima 268, esquina Insurgentes, Col. Roma.

Celebra la Máquina de Teatro 19 años con cuatro estrenos

Tríptico 1/ Pessoa. La hora del diablo

Tríptico 1/ Pessoa. La hora del diablo

Por: María Teresa Adalid

Link: http://www.cronica.com.mx/notas/2015/884951.html

La compañía Máquina de Teatro, dirigida por Clarissa Malheiros y Juliana Faesler, celebra 19 años de trayectoria artística con una residencia en el Museo del Chopo, la cual incluye cuatro estrenos, un remontaje, dos talleres y un seminario abierto a todo público. Las actividades se realizarán del 2 al 29 de marzo.

“En El Chopo encontramos un lugar afín a la compañía, porque ahí convergen propuestas artísticas de corte político, alternativo y también es un espacio de reflexión para los universitarios. Además, consideramos que el teatro necesita escuchar las voces femeninas -sin ser radicales feministas-  ya que La Máquina de Teatro está encabezada por mujeres”, dice la directora Juliana Faesler.

Tríptico 1/ Pessoa. La hora del diablo, surge a partir del relato de Fernando Pessoa, la puesta en escena invita a realizar un viaje fantástico por un abismo poético donde el mundo místico y el real se entrecruzan. El unipersonal de Clarissa Malheiros se presentará los miércoles 4, 11, 18 y 25 a las 20:00 horas.

“El diablo es un filósofo que reflexiona sobre el destino de la humanidad, la violencia, el bien, el mal y las razones  de la existencia. Es el conservador del mundo, similar al conserje de dios, pero debido a nuestra  formación judeocristiana lo asociamos con la maldad, pero no es así, lo diabólico también es lo humano, lo material, lo sensible, etcétera. El tríptico se compone de varias piezas, el año que viene se realizará una sobre Antonin Artaud,  y para el 2017 será acerca de Franz Kafka”, dice.

Unidad Habitacional. Laboratorio Interdisciplinario.  Es una escultura o instalación transitable en la que el público toma partido o bien se sitúa como espectador. Se compone de coreografías, relatos autobiográficos y experiencias documentales. Jueves 5 y viernes 6 de 17:00 a 22:00 horas y sábado 7 de 16:00 a 21:00 horas.

“Son los ideales utópicos en las unidades habitacionales, cómo se puede crear una identidad común o su imposibilidad. Es un proyecto que va a durar parte de la visita al museo, puedes observar o ser pieza de participación”.

El inspector. Teatro. Adaptación a la obra inglesa de J.B. Priestley, se refiere a todas aquellas extrañas desapariciones de jóvenes que ocurren en la ciudad de México desde el 2012, y cuestiona la postura de la sociedad ante estos hechos. Jueves 12 y viernes 13 a las 17:00 horas, sábado 14 a las 19:00 horas, domingo 15  a las 18:00 horas.

“Expone cómo una acción mezquina puede desencadenar otra gran consecuencia, se habla de la negligencia, de no participar ante el terrible hecho de las desapariciones de muchachas en el DF y Estado de México, nadie responde, nadie sabe, todo es silencio y complicidad”, comenta la directora.

Zapata, muerte sin fin. Performance. Es un documental o biografía escénica que habla de los luchadores sociales del país y la manera en que se han insertado en el imaginario como íconos. Participan cinco colectivos provenientes de Oaxaca, Guadalajara, Mérida, Tamaulipas y el DF. Se presentará Jueves 19 y viernes 20 a las 20:00 horas, sábado 21 a las 19:00 horas y domingo 22 a las 18:00 horas.

“Convoqué a los colectivos para que desde la perspectiva de sus estados hablaran de lo personal y regional. Por ejemplo, en Yucatán se habla de quiénes son los linchadores de la zona; en Oaxaca recordar a quienes han muerto por defender la tierra; en Tamaulipas se considera un acto de resistencia, continuar y seguir viviendo allá a pesar del ambiente de terror”.

Todas las cosas están mal. Teatro. Collage escénico inspirado en la novela Galápagos, de Kurt Vonnegut y con textos de otros autores como Alberto Villarrreal. Expone una revisión de la historia de la especie humana, del mundo y del individuo. Jueves 26 y viernes 27 a las 20:00 horas, sábado 28 a las 19:00 horas y domingo 29 a las 18:00 horas.

“Producimos óperas primas porque nos gusta generar espacios de visibilidad para los jóvenes profesionales, así, el texto de Alma Gutiérrez en esta ocasión habla del desastre”,  finaliza.

Los talleres y seminarios están abiertos a todo el público. Consultar la programación:

http://www.chopo.unam.mx/
http://lamaquinadeteatro.com/
http://maquinadeteatro.blogspot.mx/

Cero Aguacero, Sala Xavier Villaurrutia CCB

 

Cero Agucero Teatro Rodante

Cero Agucero Teatro Rodante

Cero Aguacero, una reflexión sobre el uso y abuso del agua

Por: María Teresa Adalid

Periódico Crónica

Link: http://www.cronica.com.mx/notas/2014/847388.html

Cero Aguacero es una reflexión visual y sonora sobre los beneficios que tiene al agua y la problemática que genera su ausencia, para mostrar que este líquido puede ser el bastión de un equilibrio entre el ambiente y el ser humano o ser un bien explotado sin escrúpulos.

La propuesta de la compañía Teatro Rodante (Colombia-México), que iniciará temporada el 2 de agosto en la sala Xavier Villaurrutia del Centro Cultural del Bosque, está inspirada en el conflicto de la guerra por el agua que sucedió alrededor de 1999 en Cochabamba, Bolivia, cuando una empresa tenía intención de privatizar el abastecimiento de agua potable. Asimismo, recuerda la visión de un niño solitario y tranquilo que se encontraba por la playa El Zapote, en Michoacán. No obstante, el objetivo no es realizar una campaña a favor del cuidado del agua, sino reflexionar acerca de esta paradoja.

“Es una reflexión en torno al agua y la historia es sencilla. Emiliano es un niño que juega, se divierte y alimenta con el agua. Un día encuentra que su entorno se ve avasallado por la escasez del líquido y que, además el agua ha sido embotellada, explotada y expuesta a su venta por una marca registrada”, dice Francisco Lozano, cofundador de Teatro Rodante.

Emiliano es un títere de 60 centímetros, representa a un niño entre 8 y 9 años, tiene estructura de madera de cedro y su piel está hecha de polvo de cartón. Se maneja con dos manipuladores empleando la técnica Bunraku.

“Siendo rigurosos, esta técnica japonesa milenaria se maneja entre tres personas, aquí lo hacemos con dos, sobre dos mesas que se transforman en el ambiente cotidiano del niño”.

A esto se suma que la directora María del Carmen Cortés, también propuso el método Feldenkrais al movimiento del títere para lograr una expresión humana y orgánica.

“Ella es maestra certificada y junto con el equipo trabajamos sobre el movimiento para lograr una partitura de acciones con el títere que se muestra en una cierta naturaleza humana, como por ejemplo, en la manera de sentarse, correr y relacionarse con el mundo de los objetos”.

Otra característica de la obra es que se realiza sin decir palabras, apela a estímulos visuales y sonoros para que el espectador pueda sentir y desarrollar la historia a partir de lo que se propone.

“El reto de no usar palabras es la capacidad de síntesis y momentos clave, esto se logra a  través de la improvisación, lecturas en cine y literatura. Además incluimos momentos basados en ritmos de un grupo del pacífico colombiano y del músico Hugo Candelario que incluyen partes realizadas con la marimba de chonta, hecha de palma y conos de bambú; también sumamos otros sonidos y ruidos naturales como el sonido del óxido al abrir la llave, el señor que pasa y vende el agua, y el de algunos animales”.

Francisco Lozano destaca que el teatro es una oportunidad para fortalecer el tejido social y los canales de comunicación, además de ser una grata experiencia que se realiza en vivo.

“Ante la neurosis por obtener riquezas o restringir el agua, que es un derecho de la humanidad, tenemos la experiencia en el teatro, el cual nos invita a la reflexión y alienta la comunicación con los demás”.

Cero Aguacero participan: Germán Romero y Francisco Lozano, con la dirección de María del Carmen Cortés se presenta del 2 de agosto al 28 de septiembre, suspende 30 y 31 de agosto, 6 y 7 de septiembre. Sala Xavier Villaurrutia. Sábados y domingos 13:00 horas.

La mujer que mató a los peces, Teatro Benito Juárez

 

La mujer que mató a los peces

La mujer que mató a los peces

A escena, las historias fantásticas sobre animales de Clarice Lispector

Por: María Teresa Adalid

Periódico Crónica

Link: La mujer que mató a los peces

“La mujer que mató a los peces es un espectáculo que habla y reflexiona acerca de la relación de abuso que a veces tenemos los seres humanos con los animales, lo cual está comprometiendo de manera contundente nuestra calidad de vida”, dice la dramaturga, actriz y directora Clarissa Malheiros.

Este planteamiento, comenta, lleva a la reflexión del valor ético para evitar destruir los ecosistemas, los cual se traduce en pérdidas de especies, bosques y otros hábitats. Y una alerta, pues el ser humano y la naturaleza no son dos entidades aisladas entre sí.

“La intención es encontrar una relación más igualitaria con la naturaleza, por eso quisimos abordar este tema para los niños platicando con ellos desde un punto de vista lúdico, ameno, con mucho humor y música, pero también cuestionando qué animales comemos y cuáles no, para que realicemos las cosas de manera más consiente”, comenta la directora.

El montaje es una adaptación a varios cuentos de Clarice Lispector (1920-1977) una de las grandes autoras de la literatura contemporánea que nació en Ucrania pero se arraigó en Brasil.

“Junté varias de las historias que escribió para sus hijos Pedro y Paulo, por eso, considero que es una recopilación personal, además esto se complementó con el discurso de integración y propuesta que manejamos como equipo en la compañía La Máquina de Teatro”, indica.

Así, a partir de la anécdota que Clarice mató sin querer a los dos peces rojos de sus hijos, se narran las aventuras que vive junto a su familia y la mascota Ulises (que es un caballo); su paso por Río de Janeiro, Italia y Estados Unidos. Mientras Clarice redacta sus libros en una antigua máquina de escribir, relata a su familia todas las historias fantásticas de los animales que han sido parte fundamental en su vida y así comprender mejor el entorno.

“Aparecen animales como los gatos, perros, conejos y hasta los monos, que son recibidos en cualquier casa, pero también se refiere a otros animales e insectos que forman parte de la cotidianeidad como las cucarachas, los moscos, lagartijas y las ratas”, explica.

Malheiros comenta que los actores encarnan a los distintos animales, utilizan la expresión corporal y varios accesorios; asimismo Clarice se personifica a través de un títere de medio cuerpo y partes vivas. “A los niños les encanta porque realmente creen que los animales son de verdad, en especial les gusta mucho la cabeza del caballo, además el tema de cómo nos relacionamos con el reino animal es universal y necesario para salvo guardar el futuro de nuevas generaciones”, dice.

Clarice Lispector fue una mujer audaz y sensible, reconocida por su narrativa. Se casó con un diplomático y viajó por diversos países. “Durante los años 60 fue un parteaguas en la literatura brasileña por su discurso femenino, sensible y porque habla desde el alma, además tenía un profundo compromiso con el discurso social. No sólo escribió para niños, también lo hizo para adolescentes, asimismo tiene crónicas y novelas….”

La mujer que mató a los peces con María Sandoval, Roldán Ramírez, Santiago Zenteno y Ricardo Letona con música original de Liliana Felipe y letras de Liliana Felipe y Jesusa Rodríguez se presenta hasta el 27 de julio 2014, sábados y domingos 13:00 horas, Teatro Benito Juárez Villalongín 15, colonia Cuauhtémoc.

Con Z de Zombie, Teatro La Capilla

Muestran un entorno apocalíptico de México donde sólo viven zombies

Por: María Teresa Adalid

http://www.cronica.com.mx/notas/2014/843436.html

Con Z de Zombie

Con Z de Zombie

Con Z de Zombie es una obra donde las máscaras, el cine y el teatro son la base para retratar con humor la catástrofe social de un México apocalíptico, absurdo y desahuciado, en el cual, sus habitantes se han transformado en cuerpos putrefactos que deambulan por la ciudad, respondiendo a instintos y buscando satisfacer necesidades básicas. Una metáfora a la sociedad actual inmersa en la apatía, consumismo e indiferencia.

La ciudad está devastada, las tiendas han sido saqueadas y los zombies se mantienen comiendo cerebros. En este contexto aparece Randy, un zombie que viste de traje y corbata, que asombrosamente aún conserva ciertos rasgos y características humanas como la inteligencia y lucidez, por ende, puede recordar qué fue lo ocurrió antes de la catástrofe.

“Randy vive en un bunker, tiene 30 años, sabe su nombre porque lo encontró escrito en una tarjeta en el pantalón, guarda recuerdos en su memoria y poco a poco comienza a dilucidar cómo empezó la pandemia. Así inicia una narración extraordinaria acerca de cómo los zombies se apoderaron de la ciudad, pero también relata momentos íntimos como la relación con su esposa e hijo”, dice la actriz Teté Espinoza.

Así, Randy cuenta que la autoridades sostenían la teoría de la gripe aviar, después surgió el rumor de la enfermedad de las vacas locas y que los granjeros en su paranoia hicieron diversas revueltas, hasta que un día, todo se perdió. La incipiente y monótona existencia de Randy da un giro cuando conoce por casualidad a Pumocu (Teté Espinoza), un niño que está en busca de su madre y que se comunica a base de gruñidos.

“Lo encuentra dormido en el bunker y aunque tienen un comienzo algo precipitado, forjan una amistad entrañable. Pumocu salió en busca de su madre cuando se desató la pandemia, fue criado por su tío Mauro como guerrillero y tuviera herramientas para enfrentar la vida. En Randy encuentra a un aliado y amigo, y junto a su tío, se reúnen en busca de su destino…”.

La propuesta del colectivo Sinetiketa se basa en la estética de los cómics, el trabajo de máscaras y multimedia donde se proyectan los hechos anecdóticos que transcurren tanto en el pasado como en el presente, algunas peleas con zombies, textos lingüísticos con expresiones fonéticas, primeros planos y encuadres de los personajes, todo en un tono sarcástico y con humor negro.

“Si existe dolor en el discurso, pero al utilizar el humor comic se suaviza y le da color, como jóvenes tratamos de reírnos de las cosas porque la risa es una poderosa sanación, en cuanto a la propuesta escénica practicamos artes marciales y capoeira, además realizamos movimientos precisos y cortados para lograr la expresión corporal óptima que se complementa con el vestuario y el uso de las máscaras, un elemento fuerte por sí mismo”, señala Teté Espinoza.

Menciona que la obra es apta para adolescentes y adultos, niños menores de 12 años pueden ingresar con el consentimiento de sus padres.

Con Z de Zombie, de Pedro Valencia, con la dirección de Joan Alexis Robles. Participan de Teté Espinoza, Rodrigo Hidalgo y Jesús Rosas ã Se presenta hasta el 1 de agosto 2014, todos los viernes a las 17:00 horas en el Teatro La Capilla, Madrid 13, colonia del Carmen, Coyoacán.